Hoy, nuestra última entrada de esta serie, la dedicaremos a curiosidades sobre el Gin-Tonic.
El Gin-Tonic está lleno de ciencia
La bebida de moda, el Gin-Tonic, esconde multitud de anécdotas científicas. Éstos son los secretos del 'cubata fluorescente'.
De noche, todos los gin-tonic son azules
Probablemente te habrás preguntado alguna vez por el color azul de estas bebidas alcohólicas. Su curiosa tonalidad, que aparece bajo la exposición de luz ultravioleta, ha provocado que el gin-tonic también sea conocido como el cubata fluorescente.
La culpa de su color azul se debe, al igual que en el caso del sabor amargo, a la quinina. Este compuesto contra la malaria es fluorescente, especialmente si lo mezclamos en una disolución ligeramente ácida, como la tónica. ¿Y en qué consiste esta fluorescencia?
Cuando la luz ultravioleta incide sobre nuestra copa de Gin-Tonic, la quinina presente es capaz de absorber esa energía, para luego emitir una pequeña fracción de la misma en forma de radiación electromagnética. Esa radiación es en realidad la luz azulada que vemos salir de nuestros cócteles. Su intensidad variará en función de la concentración de quinina que presente la tónica, siempre que mantengamos la misma intensidad en las lámparas de luz ultravioleta que vemos en muchas discotecas.
¿Por qué no debes servir la tónica caliente?
Parece lógico pensar que la ginebra y la tónica que forman nuestra mezcla deben estar a la temperatura adecuada. Sin embargo, una duda nos acecha. Si servimos el Gin-Tonic con hielos y la ginebra está bien fría, ¿es necesario que la tónica también esté a bajas temperaturas? Está prohibido usar tónica caliente.
La tónica no es más que agua carbonatada artificialmente; es decir, agua a la que le hemos añadido anhídrido carbónico (también conocido como dióxido de carbono). Las famosas burbujas que percibimos en nuestra copa son el resultado de este gas.
La solubilidad del dióxido de carbono varía en función de la temperatura: cuanto más alta sea, menos soluble será el anhídrido carbónico. Si servimos la tónica caliente, el gas se disipará y no percibiremos las burbujas tan características del cóctel.
La solubilidad variable del dióxido de carbono en función de la temperatura es conocida desde la década de los cuarenta. En aquella época, investigadores publicaron en la prestigiosa Journal of the American Chemical Society una gráfica que explica que, manteniendo la presión constante, el gas se va haciendo menos soluble a medida que aumentamos la temperatura.
Aquel clásico experimento nos explica hoy la razón por la que no podemos mezclar la ginebra con una tónica caliente.
¿Debemos servir la tónica con una cucharita imperial?
¿Lo de hacer caer la tónica por una cucharilla en espiral es un rito, un mito o sirve realmente para algo?
Para comprobarlo, Ferran Centelles, sommelier de El Bulli, realizó un experimento con el que determinó si el uso de la cucharita imperial favorecía la presencia de gas carbónico en el Gin-Tonic. Sus resultados, publicados en la revista 7 Caníbales, demostraban que al usar la cuchara se pierde más del 15% del dióxido de carbono del combinado.
Si te gusta el Gin-Tonic con mucha efervescencia, deberás respetar tres máximas: no usar tónica caliente, olvidarte de la cucharita imperial, y por último, no remover el cóctel. Si lo hiciéramos, provocaríamos la pérdida de dióxido de carbono de nuestro Gin-Tonic.
¿Y por qué ya no se añade el jugo del limón?
Hace años, cuando el Gin-Tonic no estaba de moda y se servía en vasos de tubo y con cantidades imbebibles de ginebra, era costumbre añadir un chorrito de zumo de limón al Gin-Tonic.
Pues no, no es recomendable. El ácido cítrico presente en esta fruta reacciona con el anhídrido carbónico de la tónica dejando a ésta sin sus características burbujas y haciendo que el gin-tonic pierda su fuerza en breves minutos.
Lo más recomendable es aromatizar y decorar sólo con piel de limón o de lima; y como mucho introducir una rodaja transversal de lima o limón en la copa.
El Gin-Tonic, ¿es el combinado que menos engorda?
Aquí os dejamos la información nutricional de 200 ml de Gin-Tonic preparado con una cantidad 1:4 de ginebra. Valorad vosotros mismos.
Energía: 32,90 kcal
Proteínas: 1,85 g
Hidratos de carbono: 4,25 g
Fibra: 0,00 g
Ácidos grasos saturados: 0,00 g
Ácidos grasos monoinsaturados: 0,00 g
Ácidos grasos poliinsaturados: 0,00 g
Colesterol: 0,00 mg
Calcio: 31,45 mg
Hierro: 0,00 mg
Cinc: 0,00 mg
Vitamina A: 3,70 µg
Vitamina C: 63,60 mg
Ácido fólico: 11,10 µg
Y ahora, a disfrutar de vuestro Gin-Tonic; que eso no entiende de ciencia :-)
El club de los 27 es una expresión utilizada para referirse a músicos populares que han fallecido a la edad temprana de 27 años. En la mayoría de los casos sus muertes estuvieron relacionadas con el abuso de alcohol y drogas, aunque también encontramos trágicos accidentes que sesgaron sus vidas para siempre. La muerte de la gran mayoría de los miembros de esta lista también siguen generando dudas.
La lista original incluía a Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison. A esta lista se le agregó el caso de Kurt Cobain, que fortaleció la leyenda urbana de que las muertes de músicos a esta edad son inusualmente comunes. A partir de esta lista se han confeccionado otras que incluyen artistas de varios géneros musicales o no tan célebres, siendo Amy Winehouse una de las últimas incorporaciones.
Hoy vamos a recordar a algunos de estos malogrados artistas.
Robert Johnson
Robert Leroy Johnson, conocido como "El Rey del Delta blues" o "El abuelo del Rock and Roll" fue, por desgracia para todos, el primero en entrar en el Club de los 27.
Johnson fue un cantante, compositor y guitarrista estadounidense de blues. Sus grabaciones de 1936 a 1937 muestran una notable combinación de canto, habilidades de guitarra, y talento en la composición que influenciaron a generaciones de músicos, a pesar de solo haber dejado un registro de 29 canciones.
Su locución, la originalidad de sus canciones y su estilo tocando la guitarra ha influido a una gran gama de músicos incluyendo a John Fogerty, Bob Dylan, Johnny Winter, Jimi Hendrix, The Yardbirds, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band, The Rolling Stones, Paul Butterfield, Queen, The White Stripes, The Black Keys, The Band, Neil Young, Warren Zevon, Jeff Beck, y Eric Clapton, quien lo llama «El más importante músico de Blues que haya vivido».
Ocupó el 71º puesto en la lista de "Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986 en la categoría de Early Influence (Influencias tempranas).
En torno a su muerte (16 de agosto de 1938) también hay varias leyendas ya que ocurrió en extrañas circunstancias y no hubo autopsia.
Leyendas urbanas afirman que fue envenenado con whisky por un marido celoso, propietario de uno de los bares donde Johnson actuaba. Algunos dicen que murió de neumonía, otros que de sífilis.
Otra de ellas, no apta para escépticos, afirma que el Rey del Delta blues vendió su alma al diablo en el cruce de la autopista 61 con la 49 a cambio de que le permitiese tocar el blues mejor que nadie.
Brian Jones
Lewis Brian Hopkins Jones, músico británico, fue uno de los miembros fundadores de The Rolling Stones en 1962 junto al teclista y pianista Ian Stewart, al cantante Mick Jagger y al guitarrista Keith Richards. Durante los primeros años de la agrupación fue su líder y principal instrumentista, destacando principalmente su influencia en los álbumes Aftermath, Between the Buttons y Their Satanic Majesties Request.
Su comportamiento errático; la fricción con sus compañeros, en especial con Richards por relacionarse con su ex pareja Anita Pallenberg; y el poco aporte en los álbumes de la agrupación lo llevaron a ser despedido de The Rolling Stones el 10 de junio de 1969 y poco después se retiró a su granja de Sussex.
Brian Jones ya había afirmado en alguna ocasión que no tenía ningún interés en cumplir 30 años. La parca debió escucharle, pues entró a formar parte también del Club de los 27.
La vida de Jones terminó como comienza El crepúsculo de los Dioses de Billy Wilder: con un cuerpo flotando sobre una piscina. El 3 de julio de 1969 (casi un mes después de dejar The Rolling Stones) fue hallado muerto en su piscina, los informes de la policía indicaron que el músico murió a causa de un ataque de asma, enfermedad que sufría desde hacía tiempo, que se le presentó mientras se encontraba nadando, aunque en la actualidad esta versión todavía es muy discutida y hay quien asegura que fue asesinado.
Jimi Hendrix
James Marshall «Jimi» Hendrix, músico y cantautor estadounidense, es considerado uno de los mejores y más influyentes guitarristas eléctricos de la historia de la música popular, y uno de los músicos más importantes del siglo XX. Musicalmente influido por el rock and roll y blues eléctrico americanos, tras tener un éxito inicial en Europa con su banda The Jimi Hendrix Experience, logró fama en los Estados Unidos tras un concierto en 1967 en el Festival Pop de Monterey. Más tarde, encabezó el Woodstock Festival en 1969 y el Isle of Wight Festival de 1970.
Curiosidad: Hendrix era capaz de tocar las cuerdas de su guitarra con la boca.
Hendrix fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992. En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos y en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (n.º 6). En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de B. B. King, Chuck Berry, Jimmy Page, Keith Richards y Eric Clapton, entre otros.
Como no podía ser de otra forma, en torno a su muerte también existen varias hipótesis. Hendrix murió el 18 de septiembre de 1970, apenas un mes antes que Joplin. La mezcla letal de somníferos y alcohol nos dejó sin este genio. A pesar de que Hendrix fuera vivo en la camilla camino del hospital no le ayudaron a vomitar cuando lo necesitó, lo que le provocó la muerte por atragantamiento.
Según James Wright, asistente del músico y autor del libro Rock Roadie, Hendríx podría haber sido asesinado por su representante, Michael Jeffery, al enterarse que iba a despedirle. Según Wright, Jeffery le habría dado las pastillas sin que el músico se enterase. Escalofriante.
Janis Joplin
Janis Lyn Joplin, cantante estadounidense de rock and roll y blues , se caracterizó por su espíritu rebelde, su poderosa voz y la intensidad de su interpretación.
Fue un símbolo femenino de la contracultura de los '60 y la primera mujer en ser considerada una gran estrella del rock and roll. En 1995 ingresó al Salón de la Fama del Rock y en 2004 la revista Rolling Stone la colocó en el lugar 46 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos, mientras que en 2008 la ubicó en puesto 28 de los mejores cantantes de todos los tiempos. En 2013 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. En 1999, fue elegida como la tercer mejor artista femenina del rock en la lista 100 Greatest Women in Rock realizada por VH1.
Joplin también murió (4 de octubre de 1970) en circunstancias bastante confusas y aún hoy siguen generando preguntas.
Según sabemos, el último día que se la vio con vida estaba bastante alterada. Se había enterado de que su querido marido estaba jugando al billar en su casa con mujeres que había conocido ese mismo día. Tomó una copa con unos compañeros del grupo y, aún enfadada, se fue a casa.
A la mañana siguiente, el domingo 4 de octubre de 1970, Janis no apareció en el estudio según lo acordado. Su representante, John Cooke, decidió ir a visitarla a ver qué pasaba. Al entrar en la habitación la encontró muerta al lado de la cama.
Según sus amigos, en el momento que se inyectó una dosis claramente mortal de caballo, la cantante estaba dejando la heroína. Nunca pudo explicarse la pureza tan alta de la droga y que las jeringuillas usadas jamás se encontraron.
Jim Morrison
James Douglas Morrison (Jim Morrison), cantautor y poeta estadounidense, fue célebre por ser el vocalista del influyente grupo de rock de Los Ángeles The Doors.
Desde una edad temprana, Morrison estuvo influenciado por las obras de Friedrich Nietzsche, Arthur Rimbaud y Jack Kerouac, incorporando a menudo su trabajo en sus letras.
Debido a su composición, voz, personalidad salvaje y actuaciones, es considerado por críticos y fans como uno de los cantantes más icónicos e influyentes en la historia de la música rock. También era conocido por improvisar pasajes de poesía en palabra hablada mientras la banda tocaba en vivo. Morrison se ubicó en el número 47 en la lista de Rolling Stone de las "100 mejores cantantes de todos los tiempos", y el número 22 en los "50 mejores cantantes de Rock" de la revista Classic Rock. Ray Manzarek dijo que Morrison "personificó la rebelión de la contracultura hippie".
La actriz y cantante inglesa Marianne Faithful, tras 43 años de silencio, reveló en 2014 que su exnovio, el traficante de drogas y camello de famosos Jean de Breiteuil, "mató por accidente" al líder de The Doors, según publicó la revista musical británica Mojo, al proporcionarle horoina de elevada pureza.
Parece confirmar así una de las muchas versiones que han circulado sobre el fallecimiento de Morrison el 3 de julio de 1971 en París. Entonces el médico que le atendió en el hotel parisino no creyó oportuno hacer la autopsia. Aún así, la opción de que hubiese muerto de una sobredosis de heroína siempre fue una hipótesis entre los fans. Hoy Faithfull confirma todas las sospechas.
Kurt Cobain
Kurt Donald Cobain, músico estadounidense, fue conocido como el cantante, guitarrista y principal compositor de la banda grunge Nirvana. Cobain formó Nirvana con Krist Novoselic en 1985 y la estableció como parte de la escena musical con su álbum Bleach en 1989.
La banda logró el éxito con «Smells Like Teen Spirit» de su segundo álbum Nevermind (1991). Tras el éxito de Nevermind, Nirvana fue etiquetado como «la banda principal» de la Generación X, y Cobain fue aclamado como «el portavoz de una generación». Cobain, sin embargo, estaba a menudo incómodo y frustrado, creyendo que su mensaje y su visión artística habían sido malinterpretadas por el público, siendo sus problemas personales a menudo objeto de atención de los medios. Él desafió a la audiencia de Nirvana con su álbum de estudio final, In Utero (1993). El álbum no coincidió con las cifras de ventas de Nevermind pero aún fue un éxito crítico y comercial.
Desde su debut, Nirvana, con Cobain como compositor, ha vendido más de 30 millones de álbumes en los Estados Unidos y más de 95 millones en todo el mundo.
Durante los últimos años de su vida, Cobain luchó con depresión, enfermedad y adicción a la heroína. Él también tenía dificultad para sobrellevar su fama e imagen pública y las presiones profesionales y personales de toda su vida y de su esposa, la cantautora Courtney Love.
El 8 de abril de 1994, Cobain fue encontrado muerto en su casa, víctima de lo que oficialmente fue afirmado como suicidio por una herida autoinfligida en la cabeza, el 5 de abril. Las circunstancias de su muerte se han convertido en un tema de fascinación pública y debate.
21 años después de su muerte muchos aún se preguntan si fue un suicidio o un asesinato.
Un mes antes de su muerte, Cobain ingresó en el hospital a consecuencia de un supuesto intento de suicidio. Al menos eso afirmaba su esposa, Courtney Love. En realidad, después se supo que lo que se la provocó fue una mezcla de champán y flunitrazepam, lo que resulta una extraña manera de intentar suicidarse. Al menos a ojos de los escépticos.
Dos semanas más tarde, Love llamó a la policía asegurando que su marido estaba intentando suicidarse con un arma, cosa que él mismo negó en todo momento. Incluso a sus amigos más íntimos.
Tras acceder a entrar a una clínica de desintoxicación y escaparse unos días después, Love contrató a un detective para que diese con su paradero.También rellenó el informe de persona desaparecida haciéndose pasar por la madre de Cobain, y lo hizo sin permiso previo de ésta. Además, agregó el intento de suicidio y dejó constancia de que su marido estaba en posesión de un arma de fuego.
Precisamente, en el arma de fuego que le mató no se hallaron huellas de Kurt. La escopeta estaba completamente limpia. La posición del arma tampoco cuadraba con el ángulo en que debería estar si se hubiese pegado él mismo un tiro.
Además, tenía más de 1,5 mg de heroína por litro de sangre, lo que le hubiese imposibilitado completamente para poder apretar el gatillo. Tampoco coincide la firma de la nota de suicidio con otras suyas.
Se dice que Eldon Hoke afirmó en una entrevista que Love le había ofrecido 50.000 dólares por matar a Cobain. Si eso era cierto o no es imposible de saber, pues días después de esta confesión chocó contra un tren mientras estaba ebrio y murió.
¿Suicidio o asesinato? Muchos afirman que Love estaba interesada en ser la nueva Yoko Ono. Otro misterio del Club de los 27 sin resolver.
Amy Winehouse
Amy Jade Winehouse, cantante y compositora británica de familia judía, ha destacado por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el jazz, R&B, soul y ska. Fue reconocida por su contralto, registro vocal que fue descrito como «acústicamente poderoso» y capaz de expresar «profundamente sus emociones».
En 2003 Winehouse lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado por los premios Mercury Prize. Su segundo álbum de estudio, Back to black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo. Este hecho condujo a Winehouse a obtener el récord de ser la primera mujer en ganar la mayor cantidad de reconocimientos en una sola noche y ser la primera artista británica ganadora de cinco Grammys. A su vez esto provocó que estuviera en la mira de los medios, involucrándose con su agitada vida personal.
En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó un World Music Award y tres Premios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos.
Winehouse fue acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música y de la propia música soul, y por fortalecer a la música británica, siendo una de las pocas cantantes de soul actuales que han influido fuertemente en la industria musical.
También recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, sus tatuajes y su peinado beehive, la convirtieron en motivo de inspiración para algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld. Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde el año 2007.
Fue encontrada muerta en su apartamento el 23 de julio de 2011 tras sufrir un colapso ante el síndrome de abstinencia. Esto se reveló meses después de su muerte, que en un principio fue asociada a sus múltiples adicciones.
Actualmente hay quien afirma que la causa de su muerte, de la cual se cumplirá el cuarto aniversario, fue un exceso de vodka mezclado con la medicación de desintoxicación, lo que pudo inducirla al coma y causar el trágico desenlace.
Tras su muerte, su álbum Back to Black se convirtió en el segundo álbum más vendido del siglo XXI del Reino Unido. En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en el listado de las «100 mejores mujeres en la música» de la cadena VH1.
Otros miembros del club
Algunas listas incluyen otros músicos que murieron a la edad de 27 años:
Alexandre Levy, compositor brasileño muerto el 17 de enero de 1892 por causa desconocida
Evangelina Sobredo Galanes "Cecilia", cantante y compositora española muerta el 2 de agosto de 1976 en un accidente de tráfico
Louis Chauvin, músico de ragtime norteamericano muerto el 26 de marzo de 1908 de esclerosis neurosifilítica
Bob Gordon, saxofonista de jazz norteamericano muerto el 28 de agosto de 1955 en un accidente de tráfico
Jesse Belvin, cantante y compositor de rhythm and blues norteamericano, miembro de The Shields muerto el 6 de febrero de 1960 en un accidente de tráfico
Cheíto González, cantante de boleros puertorriqueño muerto el 10 de diciembre de 1962 de una sobredosis
Nat Jaffe, pianista de blues y jazz norteamericano muerto el 5 de agosto de 1945 de complicaciones por alta presión arterial
Malcolm Hale, norteamericano, miembro de las bandas Spanky and Our Gang y The New Wine Singers, muerto el 30 de octubre de 1968 de una intoxicación por monóxido de carbono
Alan Wilson, cantante norteamericano líder, guitarrista y fundador de la banda Canned Heat, conocido en el ámbito artístico como Alan "Blind Owl (Búho Ciego)" Wilson, muerto el 3 de septiembre de 1970 debido a una complicación broncorrespiratoria debido a una sobredosis de barbitúricos (posible suicidio)
Rodrigo Bueno, cantante argentino muerto el 24 de junio de 2000 en un accidente de tráfico
Arlester "Dyke" Christian, músico norteamericano miembro de las bandas Dyke & the Blazers y The O’Jays, fue asesinado el 13 de marzo de 1971
Ronald "Pigpen" McKernan, músico norteamericano miembro fundador de la banda Grateful Dead muerto el 8 de marzo de 1973 de una hemorragia gastrointestinal provocada por un exceso consumo de alcohol
Roger Lee Durham, músico norteamericano, miembro del modesto grupo Bloodstones, murió el 27 de julio de 1973 a causa de las lesiones provocadas por una caída de un caballo
Wallace Yohn, músico norteamericano miembro de Chase,muerto el 12 de agosto de 1974 en un accidente de avión
David Michael Alexander, músico norteamericano de la banda de rock The Stooges, muerto el 10 de febrero de 1975 de un edema pulmonar
Pete Ham, músico galés, miembro de la banda de rock Badfinger considerada como la más importante del llamado power pop, se suicidó por ahorcamiento el 24 de abril de 1975
Gary Thain, bajista de rock neocelandés afincado en Inglaterra, conocido por haber sido parte de Uriah Heep, muerto el 15 de diciembre de 1975 de una sobredosis de heroína.
Helmut Köllen, músico alemán miembro de la banda de rock progresivo sinfónico Triumvirat, muerto el 3 de mayo de 1977 por envenenamiento con monóxido de carbono
Chris Bell, músico norteamericano miembro de la banda Big Star que es considerada como una de las precursoras del power pop, muerto el 27 de diciembre de 1978 en un accidente de tráfico
D. Boon, músico norteamericano miembro de la banda de punk rock The Minutemen, muerto el 22 de diciembre de 1985 en un accidente de tráfico
Pete de Freitas, músico nacido en Trinidad & Tobago, miembro del grupo Echo and the Bunnymen, muerto el 14 de junio de 1989 en un accidente en motocicleta
Mia Zapata, música norteamericana miembro de The Gits, muerta asesinada el 7 de julio de 1993
Kristen Pfaff, bajista estadounidense que formó parte de Hole (banda de rock alternativo formada en Los Ángeles en 1989 por Courtney Love), muerta el 16 de junio de 1994 de sobredosis de heroína
Richey James Edwards, guitarrista y letrista galés de la banda de rock Manic Street Preachers, desaparecido el 1 de febrero de 1995 y declarado oficialmente muerto el 23 de noviembre de 2008
Fat Pat, músico estadounidense y miembro original del grupo de rap Screwed Up Click, murió asesinado el 3 de febrero de 1998
Freaky Tah, estadounidense, "Mc" de apoyo y promotor del grupo de rap Lost Boyz, murió asesinado el 28 de marzo de 1999
Kami, baterista japonés, miembro de Malice Mizer (banda de la escena musical del visual kei japonés), murió el 21 de junio de 1999 de una hemorragia subaracnoidea
Sean McCabe, estadounidense miembro de las bandas Ink & Dagger y Crud is the Cult, muerto el 28 de agosto de 2000 de asfixia
María Serrano-Serrano, española perteneciente al grupo Passion Fruit, murió el 24 de noviembre de 2001 en un accidente aereo
Jeremy Ward, manipulador de sonido estadounidense que colaboró con De Facto y The Mars Volta, murió el 25 de mayo de 2003 de una sobredosis de heroína
Bryan Ottoson, guitarrista estadounidense del grupo American Head Charge, murió el 19 de abril de 2005 de sobredosis
Valentín Elizalde, cantante mejicano de banda sinaloense, murió el 25 de noviembre de 2006 asesinado
Richard Turner, trompetista inglés colaborador del grupo dance punk Friendly Fires, murió el 11 de agosto de 2011 de un paro cardíaco
Nicole Bogner, austriaca, cantante mezzosoprano de metal sinfónico y power metal, murió el 6 de enero de 2012 de una "enfermedad severa" con la que venía luchando (se desconoce cuál)
La Sala Rock-Ola de Madrid fue una sala de conciertos situada en el número 5 (actual número 3) de la calle Padre Xifré, frente al edificio Torres Blancas. El Rock-Ola, como era popularmente conocido, constituyó uno de los centros neurálgicos de la llamada Movida madrileña entre 1981 y 1985. Entre sus muros actuaron en directo la práctica totalidad de los grupos de ese movimiento cultural, entre ellos Alaska y Dinarama, Nacha Pop, Radio Futura, Las Chinas, Ejecutivos Agresivos, Gabinete Caligari, Parálisis Permanente, Derribos Arias, Décima Víctima, Los Elegantes o Glutamato Ye-yé, así como de otras ciudades (Siniestro Total, Danza Invisible, Loquillo y los Trogloditas…). Pero fueron especialmente destacables los conciertos de los principales artistas internacionales de la época, como Spandau Ballet, Simple Minds, Depeche Mode, Echo and the Bunnymen, Siouxsie and the Banshees, Nick Cave, Iggy Pop, The Stranglers o New Order. Fue además una discoteca con un concepto de club, que abría a diario con un contingente de público fiel.
El Jardín (1979-82)
El Jardín era en junio de 1979 una pequeña sala de fiestas que había tenido un pasado exitoso como Le Carrousel y que languidecía como sala rociera. Un cambio en la gestión del local y ese verano El Jardín se convirtió en una de las primeras salas que acogieron actuaciones de grupos de la Nueva Ola (lo que bastante después se llamaría la Movida madrileña), que empezaban a ser conocidos a través de los programas de radio de Onda 2, Radio Popular FM, y más tarde de Radio 3. Tras ese verano se intensificó esa línea y convirtieron a El Jardín en el centro de la Nueva Ola. En El Jardín dieron sus primeros conciertos grupos como Tos (que luego serían Los Secretos), Mamá, Los Nikis, El Aviador Dro o Alaska y los Pegamoides.
Marquee (1980-83)
Con la popularización de los grupos de la Nueva Ola, El Jardín se iba quedando pequeño. Los propietarios también tenía otra sala de fiestas llamada Top Less (anteriormente llamada Picadilly), donde durante años y hasta hacía poco actuaban Tip y Coll, situada junto a la Avenida de América. En septiembre de 1980 se reinaugura como sala de conciertos Marquee, con la actuación de Secretos, Nacha Pop y Mamá. La línea gráfica característica de la Nueva Ola Madrileña la establece inicialmente Gustavo Sánchez, un joven diseñador gráfico cuyos trabajos decoraban las paredes del Pentagrama que fue quien diseñó el logotipo del Marquee y posteriormente el nombre y el logotipo del Rock-Ola.
Desde el primer momento el joven equipo profesional del Marquee estableció una línea clara, basada en traer a la sala a los nuevos grupos punteros de la bulliciosa escena madrileña y española, pero especialmente de la internacional, todo ello en consonancia y simbiosis con lo que se escuchaba en las mencionadas emisoras de radio. Además el Marquee, como luego el Rock-Ola, se caracterizó por una manera innovadora de promocionar sus actividades, con un contingente de fieles socios y con la línea gráfica de Gustavo Sánchez, de influencia británica, marcando un estilo propio en carteles, octavillas promocionales y entradas.
Rock-Ola (1981-84)
De nuevo la sala se quedó pequeña en pocos meses. El bingo contiguo al Marquee, de un tamaño mucho mayor, estaba disponible, de modo que se decidió habilitarlo como sala de conciertos, dando continuidad al proyecto y con el mismo equipo al frente de ambas salas.
Así, el 31 de marzo de 1981 tuvo lugar la apertura de la Sala Rock-Ola, pero manteniéndose el Marquee como sala brillante como la purpurina (más tarde se unirían ambas).
Los primeros conciertos fueron del grupo punk británico U.K. Subs, los días 3 y 4 de abril. Una semana después Rubi y los Casinos inauguraban la lista de grupos españoles. Durante los tres años siguientes el equipo de dirección de la sala desarrolló una actividad frenética, ofreciendo varios conciertos semanales en los que, además, se daba entrada a grupos principiantes. Por ello no puede haber mejor descripción de este periodo que la larga relación de los conciertos que allí tuvieron lugar.
En esa época se trataba de una de las salas de conciertos más grandes de Madrid, prácticamente la única que podía acoger a las principales bandas emergentes en el panorama internacional. En ocasiones éstas preferían tocar dos días consecutivos en el Rock-Ola, con su escenario bajo y su público muy próximo, antes que ir a pabellones deportivos. Pronto, sin embargo, pabellones y campos de fútbol fueron el escenario natural para estos grandes grupos.
El Rock-Ola no fue solo una sala de conciertos, sino que en unos meses se convirtió en una popular discoteca, un gran bar de copas que abría a diario. Aunque había otras salas que se abrieron antes o después, y que también ofrecían conciertos nacionales e internacionales, el Rock-Ola se estableció como el centro social y cultural de la Movida, el lugar donde había que estar para ver y ser visto y para bailar con las últimas novedades traídas de Londres.
En consonancia con el espíritu de la época, tras sus puertas convivían y se mezclaban jóvenes de diferentes clases sociales y de diferentes colectivos: punks, mods, nuevos románticos, pijos, hippies… y modernos en general que hacían gala del eclecticismo estético propio de la Movida. A la vez, desde el principio se hizo común ver en alguna de sus barras a las más notorias personalidades de este movimiento cultural: cineastas como Pedro Almodóvar, fotógrafos como Ouka Lele o Alberto García-Alix, pintores como El Hortelano o Pablo Pérez-Mínguez, actrices como Bibi Andersen o periodistas y, por supuesto, las grandes figuras de la nutrida escena musical local.
Además de los conciertos, en Rock-Ola se celebraron todo tipo de eventos relacionados con la música y con las otras artes: exposiciones fotográficas y pictóricas, desfiles de moda, proyecciones de películas, representaciones teatrales, fiestas homenaje u organizadas por compañías discográficas o revistas...
La decadencia y el cierre (1984-85)
A principios de 1983 el Marquee había sido absorbido por el Rock-Ola (como Rock-Ola 2), aunque más tarde se recuperaría temporalmente la marca Le Carrousel para eventos menores en esos bajos. A finales de ese año tuvo lugar el incendio de la discoteca Alcalá 20, y 1984 se inauguró con una psicosis por la seguridad que de inmediato empezó a dar problemas a salas como Rock-Ola.
Paralelamente, en 1984 la ya llamada Movida fue decayendo de manera imparable. Lo que antes fue fresco, espontáneo y falto de pretensión se empezaba a hacer comercial y rebuscado. La mayoría de los grupos más innovadores de la escena musical madrileña habían desaparecido o se reciclaban, y surgían otros que se alejaban del espíritu de la Movida y apostaban por un estilo de rock más tradicional. En el ámbito internacional ocurría algo similar, pero además los grandes grupos de la escena británica de años atrás eran ya demasiado grandes para salas como el Rock-Ola.
En estas circunstancias, a partir del mes de marzo de 1984 el equipo que gestionaba Rock-Ola va dejando la sala de manera escalonada para iniciar nuevos proyectos, y con ellos en cierto modo se va el espíritu que había hecho grande el concepto Rock-Ola.
Ese último año se multiplicó la presencia de grupos españoles noveles, pero el nivel general de los conciertos ofrecidos se resintió, y con el desencanto del cambio de época el público de la sala se redujo. Se intentó levantar el Rock-Ola con grandes grupos internacionales, como The Psychedelic Furs (tres noches consecutivas en junio) o New Order (actuaron en julio), pero ya nunca volvería a ser lo mismo.
En la madrugada del 30 de noviembre de 1984 un incendio en los bajos del Rock-Ola (el ya cerrado Le Carrousel) destruyó el mobiliario, los equipos y archivos que ahí se guardaban. Esto complicó los problemas de la sala con las autoridades municipales por el cumplimiento de la normativa de seguridad, y el 20 de febrero se notificó su cierre administrativo, que quedó en suspenso.
La sala Rock-Ola nunca fue un lugar especialmente conflictivo, pero ya en la última época los problemas en sus alrededores se hicieron más frecuentes. El 10 de marzo de 1985, a la una y media de la madrugada, un grupo de mods sale a la puerta, donde se produce una reyerta con otro grupo de rockers. En el incidente hay una muerte. La noticia salta a todas las portadas y sentencia de muerte al Rock-Ola. Días después se ordena su cierre definitivo (17 de marzo es precintada).
Aquí os dejamos tres vídeos en los que se habla de Rock-Ola. Todo un recuerdo.
Ya sabemos que la ginebra es originaria de Holanda y que los Ingleses crearon la London Dry Gin a partir de ella; y que la tónica nació para combatir la malaria. Pero, ¿cuándo y por qué empezaron a combinarse?
Regresemos al siglo XIX, época en la que en las colonias británicas se consumía quinina para combatir la malaria. El sabor era extremadamente amargo y, en torno a 1825, los oficiales ingleses que estaban desplazados en la India (colonia británica por aquel entonces) para mejorarlo empezaron a disolver las pastillas de quinina en agua, añadiéndole zumo de lima, azúcar y ginebra. Mientras hacían algo más placentero su consumo, habían inventado el precursor del gin tonic.
En poco tiempo la mezcla pasó de ser una medicina preventiva a una bebida refrescante y social hasta el punto que en el año 1870 la mezcla de Indian Water Tonic con ginebra era más que conocida.
Actualmente es una de las bebidas más conocidas y consumidas del mundo y la podemos encontrar en cualquier bar al que vayamos.
Preparación del Gin-Tonic
El gin-tonic se puede preparar de infinidad de maneras distintas y a pesar de su sencillez dependiendo de quién y cómo se prepara el resultado final puede variar muchísimo. Y es que un gin-tonic bien preparado puede ser una maravilla para el paladar pero un gin-tonic mal preparado puede ser un combinado vulgar, alcoholizante e imbebible.
Lo primero es elegir el recipiente; no olvides servir tu Gin-Tonic en un vaso ancho o capa de balón; solo así se mezclarán bien los ingredientes, en la cantidad justa (toda la botella de tónica) y el combinado desplegará todo su aroma y sabor.
Segundo, enfriar la copa o el vaso. Añade 3 ó 4 cubitos de hielo y hazlos girar moviendo la copa. Verás como se va escarchando el recipiente. Tira el agua que se haya producido ayudándote de un colador y añade más hielo. Lo cubitos densos y sólidos para que enfríen rápidamente el Gin-Tonic, sin aguarlo.
Lo tercero, selecciona los botánicos (no más de dos para que realmente hagan su función y no se "emborronen los sabores") y añádelos a la copa. Para conseguir el efecto perfecto es conveniente que suelten su aroma: con las pinzas del hielo, sobre el propio hielo, aplástalos o retuércelos sólo un poquito.
Tercero, añade la ginebra que hayas elegido "regando" todo el hielo. La cantidad es importante, en su justa medida, 1:4, es decir, 5cl para una tónica de 20cl es perfecto.
Cuarto, la tónica. Hay quien dice que hay que dejarla caer muy suavemente a través del último hielo que hay en la copa. Nosotros os recomendamos usar la cuchara mezcladora con forma de varilla. Colocadla de forma que toque el final de la copa, que es donde está la ginebra. Apoyad la boca del botellín de tónica en la parte más baja de la varilla y dejad caer muy suavemente la tónica, para evitar que se pierda tanto gas como si la tiráramos directamente y, sobre todo, para que se mezcle bien. No hace falta ni agitar ni remover, para no perder gas.
Por último, beber. Sí, también hay normas para disfrutar del Gin-Tonic cuando lo tenemos entre manos. Hacer un Gin-Tonic requiere su tiempo, pero se tiene que beber relativamente rápido. En España hace calor y en 20 minutos el hielo se habrá fundido y acabarás bebiendo agua con Gin-Tonic. Un truco, si no queremos beber tan rápido, es compartir los Gin-Tonic.
Elección de la tónica y los botánicos
A la hora de elaborar un Gin-Tonic podemos encontrarnos con la dificultad de tener que elegir entre las más de 200 ginebras existentes en el mercado español y casi una veintena de tónicas. ¿Cuáles elegir? Y sobre todo, ¿cómo combinarlas?, ¿qué botánicos poner?
Para elaborar la combinación perfecta, hay que tener en cuenta los ingredientes que lleva la ginebra y de esa forma potenciar o contrarrestar su sabor con la tónica adecuada, aunque como en todas las cosas, lo importante es tener en cuenta los gustos de cada uno.
Para ginebras clásicas, con enebro y un paladar seco, una buena opción es una tónica 100% azucarada que contrarreste lo seco de la ginebra. Pero si lo que queremos es mantener el amargor clásico del gin tonic, lo mejor es una tónica lo más pura posible.
Las ginebras florales y perfumadas, con pétalos de rosas o flor de saúco, que son más ligeras, pueden combinarse bien con las tónicas normales, que son más amargas.
A las ginebras afrutadas les acompañan bien las tónicas con pimienta rosa, ya que le dará a la ginebra unas notas picantes y mayor complejidad al combinado.
A las ginebras aromáticas les vendrán como anillo al dedo las tónicas con jengibre y cardamomo para darles un toque de frescor y equilibrio.
Y para las ginebras cítricas, donde van a predominar el limón, la lima o la naranja, nada como unas tónicas con dosis extra de cítrico si lo que queremos es intensificar ese aroma.
A la hora de decorar o complementar nuestro gin tonic podemos fijarnos en la etiqueta de la ginebra para averiguar cuáles son los ingredientes que lleva y así potenciar su sabor con alguno de ellos.
Por ejemplo, se la ginebra lleva frutas del bosque, le pongo una frambuesa o unas grosellas rojas; si tiene regaliz podemos ponerle un palo dulce, que además servirá para removerla; si es una ginebra clásica con enebro podemos añadirle una piel de pomelo o limón para proporcionarle una nota cítrica. En este sentido, si hablamos de marcas, a Hendricks podemos ponerle una piel de pepino o pétalos de rosa, a una Bombay una piel de naranja. Y para una Beefeater, una cáscara de limón que le dará un toque ácido perfecto.
... de 2004, Simon & Garfunkel anunciaron su última gira
Hoy se cumplen exactamente 10 años desde que Simon & Garfunkel anunciaron que la gira Old Friend Tour (que comenzaría en Nueva York pocos días después) sería la última ocasión de ver juntos en directo a Paul Simon y Art Garfunkel. Hoy va por ellos nuestro blog.
El comienzo
Paul Simon y Art Garfunkel crecieron en el barrio de Kew Gardens Hills, Queens, Nueva York. Fueron compañeros de clase en el instituto y allí forjaron su amistad.
En 1955 Simon compuso algunos temas y le propuso a Garfunkel formar un dúo; tenían 16 años. Comenzaron con el nombre de Tom y Jerry (como los dibujos animados), Simon era Jerry Landis (el apellido lo tomó de Sue Landis, una chica con la que estaba saliendo por aquel entonces) y Garfunkel era Tom Graph (Garfunkel gustaba de "hacer gráficos" –to graph, en inglés– para ver la evolución de los discos en las listas de éxitos).
En 1957 sacaron su primera grabación profesional "Hey, Schoolgirl" (cara A) y «Dancin' Wild»(cara B). Sid Prosen, un cazatalentos que escuchó la canción, prometió que les iba a convertir en grandes artistas, llegaron a un acuerdo y firmaron por el sello Big Records. El álbum vendió 100 000 copias, alcanzando el puesto 57 de las listas de la revista Billboard e incluyéndose en los 10 principales de Nueva York.
En 1958, Paul Simon grabó un sencillo en solitario con el sello Big Records, bajo el apodo de True Taylor. Este hecho no le gustó nada a Garfunkel, quien lo tomó como una ofensa y marcaría de forma negativa sus relaciones en los próximos años.
A lo largo del año 1958 lanzaron varios sencillos bajo el nombre de Tom y Jerry, todos ellos fueron un rotundo fracaso y no vendieron lo esperado. Después de acabar el instituto, los artistas se separaron y marcharon a diferentes universidades. Simon se matriculó en la universidad Queens College para graduarse en lengua inglesa, y Garfunkel hizo lo propio en la Universidad de Columbia para estudiar matemáticas.
Intentos como solistas
En 1959, Paul Simon conoce a Carole Klein, con quien formó un dúo llamado The Co-Sines. Paul tocaba la guitarra y el bajo, y Carole el piano y a veces la batería. Carole también componía, y se dedicaban a grabar demos para los artistas de la época. Pero Carole, quien se cambió de nombre a Carole King, empezó a componer sus propios temas, con los que obtuvo un éxito rotundo, y continuó su carrera como solista. Esta experiencia le valió a Simon para familiarizarse con todo lo referente a los estudios de grabación, marcándole de manera positiva en sus posteriores publicaciones.
Más tarde se inicia en un frustrado intento como solista bajo el nombre de Jerry Landis. En 1962 compuso The Lone Teen Ranger, una parodia de la serie televisiva llamada El Llanero Solitario, con la que alcanzó el puesto 97 en las listas. En 1960 cantó con el grupo The Mystics, pero no tuvieron éxito. En 1960 Simon se une al grupo The Crew Cuts, se cambiaron de nombre a Tico & The Triumphs, pero los sencillos editados tampoco tuvieron éxito y en 1963 dejó el grupo. Más tarde probaría suerte con el nombre de Paul Kane, pero tampoco tuvo éxito.
Art Garfunkel grabó algunas canciones para el sello discográfico Octavia Records mientras asistía a la universidad, bajo el seudónimo Artie Garr. Grabó algunas baladas compuestas por él mismo, como Private World. Sin embargo, ninguno de estos sencillos cosecharon éxito y no pudo prosperar como solista.
A principios de 1964, Simon deja la escuela de derecho de Brooklyn y se marcha a Londres, donde conoce a Kathy, y se enamora de ella. Aquella mujer supuso un fuerte eje de apoyo para Simon, quien compuso muchas de sus canciones más famosas inspirándose en ella, y almacenando muchos de los temas que aparecerían después a lo largo de sus álbumes posteriores.
Durante su estancia en el Reino Unido, Simon se dedicó a tocar por algunos clubes de folk nocturnos de Liverpool, Londres, Cambridge, Widness, y otras muchas ciudades, participando incluso en el Festival Folk, celebrado en la ciudad escocesa de Edimburgo. Ese mismo año grabó un sencillo con el sello discográfico Oriole Records, el sencillo se componía de dos canciones, "Carlos Dominguez" y "He Was My Brother", y se publicó en Estados Unidos bajo el sobrenombre de Paul Kane.
Primer LP: Wednesday Morning, 3 A.M.
En el año 1963, Paul se vuelve a unir con Garfunkel, y el dúo se dio a conocer con sus propios nombres "Simon y Garfunkel", actuando en varios clubes de música folk, como el Gerde´s Folk City Club, que fue testigo de muchas de sus actuaciones.
En 1963 fueron invitados al festival de música folk de Nueva York, actuando con músicos de la categoría de Bob Dylan y The Everly Brothers.
Simon y Garfunkel acabaron la universidad, y ambos desarrollaron un gran interés por la música folk. Simon le enseñó a Garfunkel algunas canciones de música folk que había compuesto mientras estudiaba en la universidad (Sparrow, Bleecker Street, y He Was My Brother). Estas tres canciones se incluyeron entre cinco canciones de Simon, algún tema de Bob Dylan, y varias canciones tradicionales, y sacan su primer disco con la discográfica Columbia Records: Wednesday Morning, 3 A.M., grabado en los estudios CBS Records de Nueva York. Salió a la venta el 19 de octubre de 1964, pero comercialmente resultó ser un fracaso absoluto.
La primera separación
Poco después de acabar la grabación, el duo se dividió y Simon se trasladó a Inglaterra, donde en 1965 grabó su primer disco en solitario The Paul Simon Song Book en Londres. Las canciones del disco estaban interpretadas en su totalidad por Simon y su guitarra. Durante su estancia en Londres colaboró con Bruce Woodley, el cantante del grupo The Seekers. Mientras tanto, Art Garfunkel regresó a la Universidad de Columbia para continuar sus estudios de matemáticas.
Mientras Simon estaba en Inglaterra, en el verano de 1965, las radios locales de Florida recibieron peticiones de los oyentes de una canción llamada The Sound of Silence del álbum Wednesday Morning, 3 A.M.. Poco después la canción empezó a sonar en Boston. Aprovechándose de lo ocurrido, los productores estadounidense Tom Wilson y Bob Johnston versionaron la canción original, añadiéndole un ritmo más veloz con guitarra eléctrica, bajo y batería, y la publicaron como sencillo. Con esta versión, el estilo de la canción cambió de folk a folk-rock, creando este nuevo concepto, el género se tuvo que añadir al Top 40. Tras todo este cambio Simon quedó bastante sorprendido. En septiembre de 1965 Simon se entera de que su canción había entrado en las listas de grandes éxitos. La canción alcanzaría en el año 1966 su mayor éxito, llegando hasta la primera posición.
Buenos tiempos
Inmediatamente al conocer la noticia, Simon regresó a Estados Unidos, y a pesar de que nunca dio el visto bueno a la versión de Tom Wilson de su tema The Sound of Silence, el grupo se volvió a formar y grabaron 10 canciones más del mismo estilo. Las letras de Simon, en la mayoría de sus canciones, siempre han tenido un tono profundo y pintoresco. El 17 de enero de 1966, el dúo publica su nuevo álbum "Sounds of Silence", producido por CBS Records. El álbum llegó al puesto 21 en las listas de éxitos. También, en ese mismo año, se reeditó el álbum Wednesday Morning, 3 A.M., alcanzando el puesto 30. Algunos temas del disco The Paul Simon Song Book se regrabaron con equipos electrónicos y se incluyeron en el álbum Sounds of Silence, como por ejemplo el single I Am A Rock, que logró alcanzar el tercer puesto en las listas estadounidenses en el verano de 1966.
El 10 de octubre de 1966 publican el álbum "Parsley, Sage, Rosemary and Thyme", en el que también incluyeron algunos temas de The Paul Simon Song Book. Un año más tarde, Pickwick Records, un sello discográfico con reputación de muy mala calidad, decidió correr con todos los gastos del dúo y publicaron The Hit Sound of Simon & Garfunkel. Este álbum estaba compuesto por diez temas grabados entre finales de la década de los 50 y principios de la década de los 60, cuando el grupo todavía se llamaba Tom y Jerry. Simon y Garfunkel demandaron a la discográfica Pickwick porque habían presentado la música como material recientemente grabado, y no como canciones compuestas cinco años atrás. Poco después, Pickwick retiró The Hit Sound of Simon & Garfunkel del mercado.
Por aquel entonces, el dúo gozaba de gran popularidad y habían conseguido vender varios millones de discos. Aquel mismo año, Simon y Garfunkel contribuyeron activamente a realizar la banda sonora de la película dirigida por Mike Nichols, El graduado, que se publicó el 21 de enero de 1968, y que contenía un par de canciones antiguas del dúo. La canción más famosa del disco fue Mrs. Robinson, que se alzó hasta el primer puesto como sencillo.
En 1968 editan Bookends. El álbum contenía una nueva versión regrabada del tema Mrs. Robinson, y la canción America, aunque el principal atractivo de este disco reside en su especial atención a los ancianos, ya que para este disco, Garfunkel pasó varias semanas en varios asilos con ancianos. El éxito de este álbum hizo que el dúo contara, en aquellos momentos, con dos discos en las primeras posiciones de la lista de la revista Billboard.
En marzo de 1969 se celebraron los premios Grammy, y Mrs. Robinson fue galardonada como la mejor grabación del año y Simon recibió el premio a la mejor banda sonora original para una película.
La segunda separación
En 1969 el dúo era realmente muy popular y conocido. A pesar del éxito obtenido, Garfunkel no se sentía demasiado cómodo, ya que Simon se encargaba totalmente de la composición de los temas, y decidió mostrar sus dotes interpretativas en una carrera cinematográfica, representando el papel principal de Nately en la película Trampa 22 (Catch-22), una adaptación de Mike Nichols de la novela del mismo nombre. También participó en otra película del mismo director, un año más tarde, Conocimiento Carnal.
La relación personal entre ambos artistas continuó empeorando. En la gira de 1969, Paul se quejaba de la poca dedicación de Art al dúo. Actuaron en Carbondale (Illinois) el 8 de noviembre y en la Universidad de Miami de Oxford, Ohio el 11 de noviembre, donde estrenaron algunas de sus nuevas canciones, incluidas Bridge Over Troubled Water y The Boxer, llegando esta última hasta el puesto 7 en las listas. El concierto de la "Universidad de Miami" fue grabado y su grabación utilizada para emitirla en un musical de TV, sacado posteriormente en forma pirata.
El 26 de enero de 1970 publican Bridge Over Troubled Water. El disco fue uno de los más vendidos de la década (vendiendo alrededor de 12 millones de copias) y tuvo una gran repercusión. Alcanzó el primer lugar en las listas de música y se mantuvo allí durante diez semanas. En marzo de 1971 se celebraron los premios Grammy y tanto el álbum como el sencillo del mismo nombre ganaron el galardón al mejor álbum y mejor single del año respectivamente, además de ganar también el premio a la mejor canción contemporánea y la mejor canción del año.
Inician así una gira que les llevó por Europa, destacando el concierto en la ciudad holandesa de Ámsterdam, y finalizando el 18 de julio de 1970 en el barrio Forest Hills, el barrio que les vio crecer.
Después de esta gira, el dúo se separó definitivamente, y ambos artistas continuaron sus carreras musicales por caminos diferentes.
En 1972 sacan Simon and Garfunkel's Greatest Hits, una recopilación de los grandes éxitos del dúo, que alcanzó el quinto lugar en las listas de Estados Unidos. Ese mismo año, hacen un concierto benéfico en honor a George McGovern, un candidato a presidente democrático, pero aquel concierto hizo que Paul y Art se distanciaran todavía más.
Arthur continuó interpretando papeles de películas, y ocasionalmente publicando algún que otro álbum como solista. En 1973 publica el álbum Angel Clare. Logró alcanzar el número uno con su tema "I Only Have Eyes For You".
Mientras tanto, Simon continuó componiendo y obtuvo un éxito considerable en su carrera en solitario, consiguiendo introducir varios temas en las primeras posiciones como Kodachrome, Still Crazy After All These Years, y 50 Ways To Leave Your Lover. Grabó algunos álbumes importantes como "There Goes Rhymin' Simon" en 1973 y "Still Crazy After All These Years" en 1975, sin dejar de lado el álbum que grabó en 1986 y que sería el álbum de más éxito de su etapa como solista, "Graceland".
Actuaciones posteriores
Después de aquella ruptura, ambos se reunieron en 1972 para un concierto a favor del candidato demócrata a la Casa Blanca McGovern en el Madison Square Garden.
El 18 de octubre de 1975 el dúo aparece en el segundo programa de Saturday Night Live, emitido por el canal de televisión NBC. En aquel programa interpretaron los temas The Boxer y My Little Town, tema este último, perteneciente a su primer sencillo desde que el grupo se separó y grabado ese año, que apareció en los álbumes que ambos artistas publicaron aquel mismo año por separado.
A finales de los 70, Paul probó suerte en el cine, escribiendo y produciendo la película "One-Trick Pony", la película cuenta la historia de un desafortunado compositor que intenta resurgir y volver a la fama en la época del punk y del New Wave. La película, a pesar de recibir buenas críticas, fue un fracaso comercialmente. La banda sonora de la película resultó ser una de las grabaciones más intensas de Paul, destacando el éxito "Late In The Evening".
Desde entonces, el dúo se ha reunido en varias ocasiones, como por ejemplo el 19 de septiembre de 1981, cuando regalaron al Central Park de la ciudad de Nueva York un concierto en el que asistieron más de medio millón de personas. El evento fue emitido por televisión, y también se grabó un disco titulado The Concert in Central Park. Gracias al éxito de aquel concierto, el dúo realizó al año siguiente giras por Europa y Japón, y en 1983 por Estados Unidos y Canadá.
Después del éxito del concierto y de las giras, el dúo tenía intenciones de grabar un nuevo álbum, al principio pensaron en llamarle Think Too Much, sin embargo, las canciones eran todas de Paul, y la mayor parte del material estaba influenciado por sus relaciones personales (Peggy Harper, su primera mujer, y Carrie Fisher, su novia en ese momento). Conociendo el sentido personal de todo el material, no es de extrañar que volvieran a haber desacuerdos y diferencias entre ambos miembros, llegado al punto en el que Paul decidió borrar todo el contenido de Art en las canciones y publicar el álbum en solitario. El álbum, después de muchos meses de trabajo, se tituló "Hearts and Bones".
En el año 1985, Paul decidió explorar nuevas músicas y ritmos, y viajó hasta Sudáfrica, donde se enamoró de los sonidos de los barrios pobres de la ciudad. Paul encontró varios artistas de talento en Sudáfrica, y se influenció de ellos para publicar Graceland, su siguiente trabajo, en 1986. El álbum recibió una buena acogida, tanto crítica como comercial, y consiguió el título de Álbum del año la entrega de los grammys de 1987.
La siguiente actuación pública fue en el año 1990, cuando hicieron un acto con el que se incluyeron en el Rock and Roll Hall of Fame (Salón de la Fama del Rock and Roll).
Tres años más tarde, en 1993, representaron 21 conciertos en Nueva York, en el que la mitad de las actuaciones las hacía Paul Simon en solitario, y la otra mitad con Garfunkel conjuntamente. Ese mismo año también actuaron en conciertos benéficos, como el Bridge School Benefit Concert de Neil Young.
En julio de 2002, Columbia publicó una grabación en directo inédita de un concierto de Simon y Garfunkel, "Live In New York City, 1967". No se habían reunido desde el año 1993, y el 23 de febrero de 2003, Simon y Garfunkel se vuelven a juntar para dar comienzo a la entrega de premios de los Grammys, interpretando la canción The Sound of Silence.
Las buenas impresiones que generaron en la entrega de los Grammy, provocaron que dieran largas giras por Estados Unidos y Canadá, y hacía veinte años que no habían hecho ninguna gira. A esta gira le pusieron el nombre de Old Friends, actuaron en cuarenta ocasiones, pasando por veintiocho ciudades diferentes, y con la nada desdeñable compañía del grupo The Everly Brothers. El éxito obtenido en la gira provocó que en junio y julio del 2004 volvieran a repetirla, aunque esta vez también por Europa, actuando en veinticinco ocasiones. Completaron la gira en el Coliseo de Roma, y según los medios de comunicación, con más espectadores que en el concierto del Central Park.
En el año 2004 publican una edición en CD y DVD de la gira Old Friends, presentando una nueva canción, Citizen of the Planet.
En septiembre de 2005, se organiza un concierto benéfico por motivo del paso del huracán katrina en el que aparecen, junto a muchos otros músicos, Simon & Garfunkel, cantando Homeward Bound, Mrs. Robinson y Bridge Over Troubled Water.
En mayo de 2007, se le hace entrega a Paul Simon del premio Greszwin, una ceremonia musical acompaña a la entrega del premio, entre los que destacan Steve Wonder, The Dixie Hummingbirds, y el hijo mayor de Paul Simon, Harper Simon. Pero sin duda la persona más aclamada fue su "amigo en todos los sentidos" Art Garfunkel, quien apareció en el escenario, dio un abrazo a su amigo Paul, y arrancaron con dos temas característicos de la etapa Simon & Garfunkel: Bridge Over Troubled Water y Cecilia.
Y como ya es costumbre, aquí os dejamos una lista de reproducción con una selección hecha por Rockola. Esperamos que os guste.
